Hoy dedicamos nuestro blog al interesante libro de Fernando
Argenta “Pequeña historia de la música”, ideal para los más
pequeños.
Con esta obra los más pequeños aprenderán tantas cosas que,
después de leerlo, escucharán a sus grupos preferidos y la música
de otra manera.
Aprenderás nombres de instrumentos, de dónde proceden las notas
de la escala musical...Y curiosidades como por ejemplo que el himno
de la Champions League es de Haendel, o que Beethoven, estando sordo,
compuso sus más maravillosas obras.
Todo esto nos lo cuenta Fernando Argenta en estas páginas llenas
de anécdotas divertidas y de un inmenso amor por la música. Además,
las fantasticas ilustraciones de Jvlivs os encantarán.
La industria cultural tiene potencial económico y, aunque pueda
parecer que el marketing choca con la creatividad cultural o
artística, en el caso de la cultura y las artes, el marketing
pretende aproximar las creaciones de los artistas con su respectiva
audiencia.
Las nuevas formas de concebir el marketing como medio de analizar
y maximizar la adecuación de los productos culturales a todos los
públicos hacen del marketing una herramienta más en la gestión
cultural.
Si el marketing aplicado a los productos tangibles parte desde las
necesidades de las personas, en las industrias culturales la
importancia viene dada por la relación del producto-consumidor.
Uno de los errores más comunes es confundir el marketing con la
publicidad, con la promoción,… sin embargo estos conceptos son una
parte más del marketing.
El marketing es un proceso que requiere una planificación con el
objetivo de crear intercambios satisfactorios para el individuo y las
organizaciones.
Las funciones básicas del marketing son:
- Analizar el entorno (conocer necesidades, evolución del mercado,
modas, hábitos,…)
- Comunicar (informar al mercado y a la empresa)
- Planificar (establecer objetivos, estrategias, planes de acción,
control del proyecto,…)
- Distribución de productos/servicios (en organizaciones de gran
envergadura la tareas de marketing están separadas de las de
comercialización aunque se trata de tareas que pueden ser
fusionadas)
- Retorno de la información (investigar el mercado, respuesta real
de clientes, modificaciones,…)
Las técnicas específicas del marketing no siempre son aplicables
a todas las áreas de la cultura y/o productos culturales. Los
criterios de selección que ayudan a las entidades a saber qué
técnica aplicar en su propia planificación serían en primer lugar
dependientes de la categorización de la entidad, es decir, ¿cuál
es la orientación de la misión de la organización? Según este
criterio se pueden distinguir dos orientaciones con la posibilidad de
diferentes gradaciones entre ambas:
- Hacia el mercado, por ejemplo una industria discográfica o
audiovisual.
- Hacia el producto, por ejemplo una orquesta de música o un
museo de arte contemporáneo.
También hay que tener en cuenta la relación existente con el producto, que se
establece en función del interés manifiesto de la organización en
la promoción y difusión de un producto único o, en cambio, que el
interés se encamine hacia maximizar su reproducción. Así, no es lo
mismo la difusión de un producto cultural de carácter único, por
ejemplo de una obra artística, que la de vender el producto (un
disco) con el objetivo de optimizar los beneficios.
Precisamente ésta es la cuestión diferenciadora: si el producto
no cumple las expectativas creadas, se retira del mercado (práctica
de las industrias culturales), una solución que no entra en la
misión de la entidad cultural, por ejemplo en un auditorio o museo.
Uno de los supuestos del marketing es la necesidad de hacer una
aproximación del colectivo de usuarios, lo que se denomina “público
objetivo”.
Desde nuestra Asesoría Musical ofrecemos el servicio de gestion
cultural a cualquier tipo de institución del ámbito de la cultura.
Hoy nos hacemos eco de un dispositivo inventado recientemente en
Japón para tocar el piano con los ojos. Sí, habéis leído bien:
con los ojos.
Se trata de Eye Play the Piano, un conjunto de
dispositivos con los que el músico puede tocar el piano directamente
con su mirada.
Con un casco de realidad virtual (conocido como
Fove) el usuario tiene representado un teclado que
se puede accionar con los ojos.
Basado en un complejo sistema de reconocimiento de movimientos,
Eye Play the Piano es capaz de seguir nuestra mirada para acertar con
la tecla, en el momento correcto.
La interfaz que representa el teclado del piano en la pantalla de
Fove está simplificada, con un par de modos de funcionamiento. El
tamaño y separación de los paneles permite que el reconocimiento se
pueda hacer con garantías.
Eye Play the Piano se puso en práctica de forma
pública las pasadas navidades, durante un recital en la Universidad
de Tsukuba, especializada en niños con necesidades especiales.
Hoy en día, debido a las
preocupaciones, el ritmo de trabajo, etc. es muy frecuente sufrir
estres durante el día.
¿Pero sabes que existen remedios naturales para aliviar el
estrés? Los especialistas recomiendan cuidar la alimentación,
realizar ejercicio físico,
etc. Pero otra cosa que te ayudará es escuchar música.
En muchos momentos del día tenemos música de fondo que nos puede
ayudar a relajarnos, siendo un gran apoyo para curar y eliminar el
estrés. La musicoterapia utiliza la música para mitigar
esta afección y mantener unos niveles de bienestar y tranquilidad
adecuados.
Algunos de los principales beneficios de la musicoterapia son:
-Mejora el estado de ánimo y emocional.
-Ayuda a conocerse a uno mismo y sus sentimientos.
-Contribuye a la socialización.
-Facilita procesos de aprendizaje.
En el coche, en el metro, en
autobús, en casa, etc. podemos estar acompañados de música que nos
relaje, nos anime y nos ofrezca bienestar, reduciendo las
sensaciones de estrés y agobio.
Hoy tenemos el honor de entrevistar en nuestro blog al compositor y director de orquesta Javier Jacinto.
El Regalo Musical ¿Cómo fueron sus inicios musicales?
Javier Jacinto Comencé a estudiar música a los siete años en mi localidad natal, Pasaia (Guipuzcoa) y seguidamente en San Sebastián. Tras unos años como estudiante de diversos instrumentos ( piano, violoncello entre otros) me decanté por la composición y la dirección de orquesta, o como suele decirse la composición y la dirección me eligieron a mi.(Supongo que uno se dedica a lo que mejor se le da, simplemente).
Tras estudiar composición en Pamplona y San Sebastián con el maestro Francisco Escudero entre otros, vine a Madrid a acabar composición y estudiar la carrera de dirección de orquesta. Tras los cursos de ampliación posteriores me siento muy contento de haber estudiado con grandes maestros como Gª Abril, Gª Asensio, Bernaola, Halffter, Donatoni o Grisey, todos ellos interesantísimos artistas.
Después llegaron estrenos con grandes orquestas, (como la ORTVE, la Orquesta de Euskadi, la Sinfónica de Sevilla, la Sinfónica de Galicia o dirigir la Deutches Kammer Orkestra) trabajar con grandes directores, concursos, el trabajo en diversos conservatorios y una vida profesional que me está permitiendo disfrutar mucho, sobre todo en mi relación con los jóvenes músicos.
E.R.M. Escribe música de cámara, sinfónica, vocal, ópera, etc. ¿Siente predilección por algún género en especial?
J.J. Cada género tiene su encanto especial: trabajar para obras a solo para un instrumentista concreto tiene una relación muy interesante con el intérprete que lo va a estrenar y te permite conocer mucho más en profundidad ese instrumento; la música de cámara es maravillosa, y conocer nuevos grupos de cámara es fantástico y muy enriquecedor, como con el recien estreno de mi obra “3 Times A Hundred”, en la que trabajar con el “Trio Musicalis” ha sido fantástico y un gran descubrimiento.
La música vocal es la que más se puede sentir en la piel para mí, pero posiblemente lo que más cercano siento es trabajar con música sinfónica, posiblemente por mi contacto continuado con ese instrumento grandioso y desbordante que es una orquesta sinfónica.
Mención aparte merecen las dos óperas que he estrenado. Han sido posiblemente las experiencias más mágicas en las que mi música ha estado. Ya no es solo música, al aparecer una historia, unos personajes, una escenografía, luces... todo trasciende a otro nivel, a otra experiencia estética. No se puede describir. Todo el que tenga la oportunidad de estar cerca del montaje de una ópera no debe perderselo.
E.R.M. Sus composiciones han sido premiadas en numerosos concursos y dirigidas por prestigiosos directores, ¿qué se siente al recibir tantos reconocimientos?
J.J. Por supuesto existe un sentimiento de satisfacción, incluso desbordante al principio. Tras esta felicidad uno se da cuenta de que tiene que comenzar permanentemente, con cada obra, con cada concierto, con cada estudio de una nueva partitura. Enseguida uno se olvida de la parte de orgullo y se pone a trabajar nuevamente. Hay tanto por hacer, mucho más en este mundo tan cambiante, que no hay mucho tiempo de mirar hacia atrás.
E.R.M. Fue fundador y director de una orquesta de jóvenes en el País Vasco, ¿cómo es trabajar con músicos jóvenes?
J.J. Para mi trabajar con los jóvenes (incluso cada vez más con los niños más pequeños) es la mejor parte de mi carrera. Poder transmitir a las generaciones siguientes el amor por la música, la comprensión de este lenguaje, un poco distinto del hablado, pero natural al ser humano es maravillosos. Es el granito de arena que humildemente intento aportar para hacer este mundo un poco mejor.
De entre las mejores experiencias que recuerdo estaría el concierto que ofrecimos en Quincena Musical Donostiarra con esta Orquesta de Jóvenes del Pais Vasco, con un repertorio de música contemporánea y clásica, junto con Guillermo González al piano. Fue fantástico. O el reciente concierto con la orquesta del Centro Integrado “Moreno Torroba” en el Auditorio Nacional.
Los jóvenes siempre te dan mucha energía y da gusto ver crecer las orquestas a cada ensayo.
E.R.M. ¿Qué consejos daría a los jóvenes estudiantes de composición y dirección?
J.J. Sin ninguna duda que “a por ello”. A veces pensamos que el mercado laboral está muy mal, y desde luego ha empeorado, como todo en el mundo entero, pero a mí me gusta recordar cuando los compositores que ahora tienen 70 u 80 años nos cuentan “no podéis quejaros; cuando nosotros comenzamos había 6 o 7 orquestas profesionales en España y apenas Auditorios con sonoridad aceptable”.
Además, el mundo es muy grande, y debemos pensar que un compositor debe aspirar a que su obra se toque en todo el mundo, y un director debe dirigir por todo el mundo también.
Uno de mis consejos habituales también es recordar la importancia de los idiomas, cuantos más mejor, y cuanto antes.
E.R.M. ¿Considera que las redes sociales son un buen medio para difundir la música clásica?
J.J. Por supuesto. El presente es Internet, las Redes Sociales, el mundo digital. Nadie puede entender el mundo ni las comunicaciones, ni ningún mercado sin la revolución digital.
Debemos distinguir la experiencia de la música grabada o difundida por altavoces a escuchar música en directo, que nunca podrá ser como la de escuchar algo grabado.
Sin embargo esto no quiere decir que no haya un mundo infinito de posibilidades nuevas (ni mejores ni peores... distintas).
Por otra parte, además de la difusión de la música propiamente dicha a través de las RRSS, el marketing a trabes de Redes es absolutamente fundamental. Las orquestas españolas están intentando darse cuenta pero no es fácil para unas instituciones llenas de recortes, de organizaciones no siempre flexibles, y recordemos que, en la carrera no nos han enseñado a nadie acerca de Marketing, Internet, Redes, ya que hace poco tiempo relativamente que existen.
Afortunadamente hay mucha gente a nivel individual como Elena Muerza, David Peralta, con su ranking de Orquestas Españolas en RRSS preocupadas por este asunto, y con unos blogs estupendos donde compartir mucha información. Sería interesante ver un día un ranking de compositores y directores en RRSS.
E.R.M. ¿Próximos proyectos?
J.J. En relación al mundo digital, publicar en breve un blog donde contar lo que yo creo que debería ser un músico y un director de orquesta integral hoy en día: Formación clásica, no tan clásica, como utilizar las nuevas tecnologías, incluso como un director podría en vivo utilizar recursos técnicos que están en principio reservados a los técnicos de sonido. Quizás sea el momento de pensar en que los directores pueden usar otras herramientas.
Creo que en algún momento asistiremos a un concierto de un director con Google Glasses leyendo la partitura u otros parámetros musicales en vivo.
Por otra parte sigo componiendo, preparando un CD y un nuevo concierto con la música de Richard Vaughan (Revelación), preparando un concierto Sinfónico Coral con la Orquesta Moreno Torroba con el Gloria de Vivaldi y el Requiem de Mozart, entre otros proyectos musicales para esta temporada.
E.R.M. ¿Qué obra elegiría como regalo musical para nuestros lectores?
J.J. Os propongo dos regalos. Una de mis obras más íntimas y queridas, una nana, “Sehaska Kanta”, con la versión de Oihana Regüela y Ruben Fernández al piano.
Por otra parte, del gran repertorio, el Segundo tiempo del Concierto en Sol M para piano y Orquesta de Ravel. Por ejemplo en la versión del mítico Michelangeli al piano con el grandísmo maestro Celibidache dirigiendo a la London Symphony Orchestra.
Agradecemos profundamente a Javier Jacinto su amabilidad y su tiempo para concedernos esta entrevista.
Investigadores
de las universidades de Washington y Michigan han identificado la
rítmica irregular de algunas obras con la arrritmia cardíaca que al
parecer sufría Beethoven.
El estudio indica que el genial compositor creaba sus
obras siguiendo los latidos de su propio
corazón, unos latidos que habrían sido irregulares
debido a su arritmia cardíaca.
Uno de los investigadores, Joel Howell, afirma que "su música
pudo haber sido sentida en el corazón tanto en sentido figurado como
físico. Cuando el corazón late irregularmente debido a una
enfermedad lo hace de una manera predecible. Creemos que algunas de
esas pautas se pueden escuchar en su música".
Una de las
obras en la que se ve más clara su hipótesis es en la parte final
de Cavatina de
cuarteto de cuerda en si bemol mayor Opus 130. En medio del cuarteto,
la tonalidad de repente cambia a do bemol mayor, lo que implica un
ritmo desequilibrado que evoca desorientación.
En las
instrucciones del compositor para los músicos que deben interpretar
la pieza, la sección está marcada como beklemmt, una
palabra alemana que se traduce como "pesado de corazón".
Los autores apuntan que dicho término podría querer indicar
tristeza, pero no descartan que quisiera describir la sensación de
presión, un sentimiento que se asocia con la enfermedad cardíaca.
Hoy queremos recomendar en el blog el libro “Tu música puede cambiar tu vida”Nos lo regalaron y lo acabamos de leer. ¡Es fascinante lo que se puede conseguir con la música!
Seguramente si necesitas un poco de energía extra, subes el volumen de los altavoces. Pero solo con esa acción, no estás aprovechando todo el potencial que tiene la música para ayudarte.
Este libro está lleno de consejos fáciles y prácticos que podrán ayudarte. Ofrece métodos probados científicamente para utilizar tu música favorita con el fin de mejorar tu vida.
Arqueólogos chinos han encontrado los restos de los instrumentos musicales más antiguos conocidos hasta ahora en este país, un instrumento de cuerda y otro de campanas que podrían tener 2.700 años.
Los dos instrumentos se han hallado en tumbas construidas durante la dinastía Zhou o en el llamado Período de Primavera y Otoño (que se sucedieron entre los siglos XI y V antes de Cristo) en la provincia de Hubei.
Uno de los instrumentos es un "se", que consistía en un soporte y 25 cuerdas para puntear, y el otro es la estructura de un "bianzhong", un sistema de campanas musicales de bronce.
Es el "bianzhong" más grande jamás encontrado.
Los restos están bastante deteriorados, tanto por su edad como porque las tumbas habían sido saqueadas y se habían hundido. Así, del "se" apenas queda la mitad del soporte, aunque se ven claramente los orificios para todas sus cuerdas, mientras que el soporte del "bianzhong" es de 4,7 metros de largo y también se han encontrado siete bases de campanas decoradas con dragones y aves fénix.
Psiquiatras del Colegio Médico de la Universidad de Vermont han publicado en el Journal of the American Academy of Child & Adolescent Psychiatry una investigación sobre los efectos de tocar un instrumento en el desarrollo cerebral.
Estos especialistas han analizado las resonancias magnéticas de 232 personas de entre 6 y 18 años para buscar, fundamentalmente, alteraciones significativas en la corteza cerebral.
Los engrosamientos y adelgazamientos de esa zona están relacionados con problemas como la ansiedad, la depresión, las dificultades para concentrarse, la agresividad y la pérdida de control de los impulsos.
Encontraron que la práctica musical afectaba a las neuronas de la región motora, ya que exige control y coordinación de los movimientos.
Pero más importante fueron los cambios detectados en la parte de la corteza cerebral vinculada a “la memoria de trabajo, el control de la atención, la organización y planificación, la inhibición de los impulsos y el procesamiento de las emociones”, como detallan los autores del estudio.
El director de la investigación, James Hudziak ha afirmado que “tocar el violín puede ayudar más que un frasco de pastillas a un niño con trastornos psicológicos" Si quieres ampliar la información, puedes leer el interesante libro "Cómo potenciar la inteligencia de los niños con la música"
La Academia ha hecho público los nombres de las 79 canciones que compiten por el Oscar a la Mejor Canción.
Son estas:
“It’s On Again” de “The Amazing Spider-Man 2″ “Opportunity” de “Annie” “Lost Stars” de “Begin Again” “Grateful” de “Beyond the Lights” “Big Eyes” de “Big Eyes” “Immortals” de “Big Hero 6″ “The Apology Song” de “The Book of Life” “I Love You Too Much” de “The Book of Life” “The Boxtrolls Song” de “The Boxtrolls” “Quattro Sabatino” de “The Boxtrolls” “Ryan’s Song” de “Boyhood” “Split The Difference” de “Boyhood” “No Fate Awaits Me” de “The Disappearance of Eleanor Rigby: Them” “Brave Souls” de “Dolphin Tale 2″ “You Got Me” de “Dolphin Tale 2″ “All Our Endless Love” de “Endless Love” “Let Me In” de “The Fault in Our Stars” “Not About Angels” de “The Fault in Our Stars” “Until The End” de “Garnet’s Gold” “It Just Takes A Moment” de “Girl on a Bicycle” “Last Stop Paris” de “Girl on a Bicycle” “Ordinary Human” de “The Giver” “I’m Not Gonna Miss You” de “Glen Campbell…I’ll Be Me” “Find A Way” de “The Good Lie” “Color The World” de “The Hero of Color City” “The Last Goodbye” de “The Hobbit: The Battle of the Five Armies” “Chariots” de “The Hornet’s Nest” “Follow Me” de “The Hornet’s Nest” “Something To Shoot For” de “Hot Guys with Guns” “For The Dancing And The Dreaming” de “How to Train Your Dragon 2″ “Afreen” de “The Hundred-Foot Journey” “Yellow Flicker Beat” de “The Hunger Games: Mockingjay – Part 1″ “Heart Like Yours” de “If I Stay” “I Never Wanted To Go” de “If I Stay” “Mind” de “If I Stay” “Everything Is Awesome” de “The Lego Movie” “Call Me When You Find Yourself” de “Life Inside Out” “Coming Back To You” de “Life of an Actress The Musical” “The Life Of An Actress” de “Life of an Actress The Musical” “Sister Rust” de “Lucy” “You Fooled Me” de “Merchants of Doubt” “Million Dollar Dream” de “Million Dollar Arm” “Spreading The Word/Makhna” de “Million Dollar Arm” “We Could Be Kings” de “Million Dollar Arm” “A Million Ways To Die” de “A Million Ways to Die in the West” “Way Back When” de “Mr. Peabody & Sherman” “America For Me” de “A Most Violent Year” “I’ll Get You What You Want (Cockatoo In Malibu)” de “Muppets Most Wanted” “Something So Right” de “Muppets Most Wanted” “We’re Doing A Sequel” de “Muppets Most Wanted” “Mercy Is” de “Noah” “Seeds” de “Occupy the Farm” “Grant My Freedom” de “The One I Wrote for You” “The One I Wrote For You” de “The One I Wrote for You” “Hal” de “Only Lovers Left Alive” “Shine” de “Paddington” “Still I Fly” de “Planes: Fire & Rescue” “Batucada Familia” de “Rio 2″ “Beautiful Creatures” de “Rio 2″ “Poisonous Love” de “Rio 2″ “What Is Love” de “Rio 2″ “Over Your Shoulder” de “Rudderless” “Sing Along” de “Rudderless” “Stay With You” de “Rudderless” “Everyone Hides” de “St. Vincent” “Why Why Why” de “St. Vincent” “Glory” de “Selma” “The Morning” de “A Small Section of the World” “Special” de “Special” “Gimme Some” de “#Stuck” “The Only Thing” de “Third Person” “Battle Cry” de “Transformers: Age of Extinction” “Miracles” de “Unbroken” “Summer Nights” de “Under the Electric Sky” “We Will Not Go” de “Virunga” “Heavenly Father” de “Wish I Was Here” “So Now What” de “Wish I Was Here” “Long Braid” de “Work Weather Wife” “Moon” de “Work Weather Wife”
Este manual demuestra que todo el mundo puede desarrollar una buena técnica vocal. Además, conocerás todas las claves de ese instrumento musical tan adaptable: la voz humana, que todos disponemos.
Con un lenguaje sencillo, dibujos explicativos y una variedad de ejercicios a diferentes niveles, aprenderás los principios y los métodos prácticos esenciales para el cantante, incluyendo los secretos de una mejor respiración, de producción de la voz, articulación y entendimiento general del canto para cualquier estilo y nivel, desde el pop a la ópera.
