31 octubre 2014

Entrevistamos al oboísta Lucas Macías





Hoy tenemos el honor de entrevistar en nuestro blog a Lucas Macías, solista de oboe de la Orquesta del Concertgebouw de Ámsterdam. 



El Regalo Musical ¿Cómo fueron sus inicios musicales? ¿Por qué eligió el oboe? 

Lucas Macías La idea de tocar el oboe fue una sugerencia de mis padres, ya que ellos, son, aparte de unos melómanos, unos fans de ese instrumento, y en especial del que fue mi profesor, Heinz Holliger. 

Yo hubiera elegido el clarinete, la flauta o el violín, pero la verdad es que hoy me alegro mucho de ser oboista, ya que es un instrumento extremadamente difícil, pero muy especial, con un sonido muy cercano a la voz humana, y por lo tanto muy expresivo. Y de eso se trata, de hacer música para conmover a las personas. 



E.R.M. Ha estudiado con los mejores profesores: Thomas Indermühle, Maurice Bourgue, Heinz Holliger… ¿qué destacaría de cada uno de ellos? 

L.M. Bueno, para ser exactos, he tenido antes que ellos, dos profesores más. Eduardo Martínez, y Francisco Gil. Y siendo sincero, me siento muy afortunado por haber estudiado con todos ellos. 

Eduardo me enseñó la base, el camino instrumental a seguir. Francisco Gil me alertó ya desde muy pronto las dificultades venideras. Thomas Indermühle fue el que me ayudo mas a resolver todos mis problemas técnicos, a saber el por qué, y como solventarlos. Y con Heinz Holliger y Maurice Bourgue la música y el repertorio oboístico. Fueron unos años inolvidables. 



E.R.M. Usted es Oboe Solista de la prestigiosa Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, ¿qué le aporta dicho trabajo? 

L.M. Me aporta experiencia, placer de tocar el repertorio sinfónico, en una de las salas más bellas del mundo, y conocer a los directores con más prestigio. Por supuesto existe mucha presión, pero con el tiempo, se aprende también a vivir con ella. 



E.R.M. Recientemente ha interpretado magistralmente el concierto para oboe de Strauss con la ORTVE, ¿cómo se prepara antes de un concierto? 

L.M. Pues técnicamente, como es una obra que ya conozco muy bien, dos o tres semanas antes empiezo a estudiarla. Y muy importante para nosotros oboístas, a tocarla un par de veces al día sin parar, para trabajar la condición física, ya que el oboe es un instrumento que requiere mucha presión de aire. 

Y en el aspecto musical, pues estudiando la partitura general, ya que no se para nunca de descubrir nuevos detalles que te inspiran nuevas ideas. Creo que nunca se deja de aprender cuando la obra es de nivel musical. Siempre surgen ideas nuevas, colores, imágenes. Esto es la magia de la música, del arte, la subjetividad, el sello propio, la imaginación... 




E.R.M. ¿Qué consejos daría a los jóvenes estudiantes de oboe? 

L.M. Pues el consejo que daría a cualquier joven músico. Trabajo, disciplina, y ser conscientes de que ser músico es un privilegio, que como cualquier profesión, y más cuando se quiere llegar al más alto nivel, no es un camino de rosas, pero que la perseverancia, la tenacidad y el creer en uno mismo te pueden llevar a conseguirlo. Y por último, por supuesto, el amar a la música, algo indispensable. 



E.R.M. ¿Cuál es su repertorio oboístico preferido?

L.M. No tengo repertorio preferido. Me encanta tocar barroco, como repertorio contemporáneo o romántico. 



E.R.M. ¿Próximos proyectos?

L.M. Pues iré a Buenos Aires, a tocar el concierto de Strauss al Teatro Colón, más tarde a Santiago de Compostela y Bilbao a tocar Bach y Bernd Alois Zimmermann. 

En diciembre en Berlin, haremos un programa de música de cámara en memoria a Claudio Abbado, junto a Isabelle Faust, Sabine Mayer, etc. En primavera estaré en Santiago de Chile y en Bogotá, interpretando el Mozart, etc... 



E.R.M. ¿Qué obra elegiría como regalo musical para nuestros lectores?

L.M. El concierto para oboe y cuerdas de Alessandro Marcello. Así podrán comprender porque mi padre quería tener un hijo oboísta.


Disfrutemos de Lucas Macías interpretando el concierto para oboe de Marcello...






Agradecemos enormemente a Lucas Macías su amabilidad y su tiempo para concedernos esta entrevista.

30 octubre 2014

Jordi Savall y María de Alvear, Premios Nacionales de Música 2014





María de Alvear y Jordi Savall  son los dos galardonados con el Premio Nacional de Música en Composición e Interpretación 2014.


El premio, otorgado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte anualmente, está dotado con 30.000 euros y ha sido decidido por mayoría en la votación del jurado, presidido por la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Montserrat Iglesias Santos.

El jurado, afirma que de la compositora María de Alvear recibe la distinción por “la calidad de su música, por su prolífico trabajo de proyección internacional y por su forma de canalizar influencias musicales de manera transgresora, a través de su propia experiencia personal y por el compromiso con los jóvenes compositores”.


En la categoría de Interpretación, Jordi Savall es el elegido para el premio por “ser uno de los grandes intérpretes de nuestro tiempo, referente de varias generaciones de músicos, por su infatigable labor en la recuperación y difusión de nuestro patrimonio musical, que ha llevado por los cinco continentes durante cuatro décadas y que ha plasmado en una vasta y rica discografía. 



29 octubre 2014

Google ofrece música según el estado de ánimo


Google ofrece un servicio de música con el que intenta anticiparse a los cambios de estado de ánimo de sus suscriptores y competir con Pandora, Spotify y otros servicios de música por internet.

El servicio All Access, que cuesta 10 dólares al mes, hará sugerencias basadas en conjeturas fundadas sobre el estado de ánimo del suscriptor y sus probables actividades en determinados momentos del día.





Por ejemplo, un suscriptor que entra al servicio a través de su smartphone un lunes por la mañana encontrará música apropiada para el viaje al trabajo, para ir a gimnasio o motivarse para iniciar la semana laboral. 
En cambio, al entrar a la app el lunes por la noche podría encontrar música más relajada.

Esta función, por el momento solo está disponible en Estados Unidos y Canadá.

Los suscriptores podrán pedir listas diseñadas para actividades tales como dormir la siesta, limpiar, hacer ejercicio, etc.



27 octubre 2014

Recordamos a Paganini





Hoy dedicamos nuestro blog al violinista, violista, guitarrista y compositor italiano Niccolò Paganini, que nacía en Génova tal día como hoy 1782.


Empezó a estudiar mandolina con su padre a los cinco años. A los siete años comenzó a tocar el violín. Hizo su primera aparición pública a los nueve años, realizando una gira por varias ciudades a los trece. 

Tuvo como profesores a Giovanni Servetto y Alessandro Rolla. 

De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y Piombino y hermana de Napoleón. En 1813 comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de interpretar atrajo la atención de quienes le escuchaban. 

Después estuvo en Viena, Londres y París, donde conoció al pianista y compositor húngaro Franz Liszt.


Su técnica asombraba tanto al público de la época que llegaron a pensar que existía algún influjo diabólico sobre él, porque a su vez su apariencia se notaba algo extraña y sus adelantos musicales eran una verdadera obra de arte. 

Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban.

Sus obras incluyen veinticuatro caprichos para violín solo, seis conciertos y varias sonatas. 

Llegó a poseer cinco violines Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius.

Su virtuosa técnica influyó en compositores posteriores como Franz Liszt, Johannes Brahms o Sergei Rachmaninoff


Falleció en Niza el 27 de mayo de 1840.


Disfrutemos de la maravillosa música de Paganini...





24 octubre 2014

Entrevistamos al director de orquesta Rubén Gimeno





Hoy tenemos el honor de entrevistar a Rubén Gimeno, Director Titular de la Orquesta Sinfónica del Vallès. 


El Regalo Musical ¿Cómo se inició en el mundo de la música?

Rubén Gimeno Vengo de un familia de tradición musical. Mi padre es músico y tanto mi hermano como yo vivimos el hecho de empezar a estudiar música como algo natural.


E.R.M. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con su profesor James Ross?

R.G. James, a parte de ser un gran amigo, es el músico que más influencia ha tenido en mi formación. Es una persona extremadamente inteligente y con gran conocimiento musical.


E.R.M. Usted es el Director Titular de la Orquesta Sinfónica del Vallès, ¿qué le aporta dicho trabajo?

R.G. La Sinfónica me ha permitido desarrollar unos objetivos a medio plazo, algo que el trabajo como director invitado no te permite, asi como un conocimiento personal y profesional más cercano de los músicos.





E.R.M. Ha sido Director Artístico de la Joven Orquesta de la Sinfónica de Galicia, ¿qué destacaría de esa etapa? ¿cómo es trabajar con jóvenes estudiantes de música?

R.G. Una de las más bonitas de mi vida profesional. Estar en contacto con jóvenes músicos que se encuentran en un periodo tan importante en su vida musical es una gran responsabilidad y me ha dado grandes satisfacciones, viendo el presente tan brillante de muchos de esos músicos en la actualidad.


E.R.M. ¿Qué consejos daría a los estudiantes de dirección de orquesta?

R.G. Que se entreguen con pasión y no desfallezcan. Es una carrera de larga distancia y es importante mantener un buen espíritu. 


E.R.M. ¿Puede compartir alguna anécdota de algún concierto?

R.G. Hace muchos años, cuando tocaba en la Joven Orquesta Europea, decidimos gastarle una "broma" al director e invertimos el orden de las propinas sin que él lo supiese. Imaginese la cara de sorpresa al empezar la música. Creo que casi le da un infarto.




E.R.M. Tras un duro día de trabajo, ¿escucha alguna música en especial?

R.G. O bien no escucho música, o sigo reflexionando y escuchando algo relacionado con el repertorio que estoy dirigiendo.


E.R.M. ¿Próximos proyectos?

R.G. Mi comienzo de una nueva temporada con la Sinfonica del Valles, asi como un recital en el Teatro Real.


E.R.M. ¿Qué obra elegiría como regalo musical para nuestros lectores?

R.G. Suelo elegir obras que por alguna razón van ligadas a algun momento de mi vida y una de ellas es la Primera Sinfonia de Mahler.







Agradecemos profundamente a Rubén Gimeno su tiempo para concedernos esta entrevista y a Núria Llorach, de Culturae, las facilidades que nos ha dado para poder realizarla. 




22 octubre 2014

Recordamos a Franz Liszt





Hoy dedicamos nuestro blog al pianista y compositor de origen húngaro Franz Liszt, que nacía tal día como hoy en 1811 en Raiding.


Se inició en los estudios de piano con su padre. Posteriormente recibió clases en Viena del pianista austriaco Carl Czerny y del compositor italiano Antonio Salieri. 

En 1823 se traslada a París junto a sus padres, tomando allí lecciones de composición con Ferdinando Paër y Anton Reicha. 

En 1833 conoció a la condesa francesa Marie d'Agoult, escritora bajo el seudónimo de Daniel Stern, con quien estableció una relación que duró hasta 1844. 

Entre 1839 y 1847 realizó giras por Europa y consiguió una fama sin precedentes. En 1847 abandonó su carrera como virtuoso y sólo en contadas ocasiones volvió a tocar en público. Ese mismo año conoció a la princesa rusa Caroline Sayn-Wittgenstein, que permaneció a su lado hasta su muerte. 



Desde 1848 a 1861 fue director musical en la corte ducal de Weimar, donde interpretó obras compuestas por Berlioz, Wagner y otros compositores, así como las suyas propias. 

En 1861 se traslada a Roma, donde estudió teología y recibió las órdenes menores. Después de 1871 vivió entre Roma, Weimar y Budapest, y continuó con sus labores de director, profesor, compositor y promotor de la música de Wagner. 

Es autor de unas 350 obras.

Franz Liszt falleció en Bayreut, Alemania, el 31 de julio de 1886, durante el Festival Wagner que allí se celebraba. 


Disfrutemos de la maravillosa música de Liszt...





20 octubre 2014

4 pasos para aprender un idioma escuchando música





La música es una herramienta que puede ayudarnos a aprender un idioma.

Las letras de las canciones nos pueden ayudar a memorizar de forma más fácil y divertida vocabulario de palabras y expresiones. Escuchar y hasta incluso cantar canciones en otro idioma ayuda a mejorar la pronunciación y aprender nuevo vocabulario.

Por ejemplo, la música en inglés está presente en numerosas actividades de nuestra vida cotidiana, cuando escuchamos la radio en el coche, en el supermercado, en una fiesta, etc. Ahí estamos en contacto con ese idioma. 

Sin embargo, en muchas ocasiones, no prestamos atención a las canciones, sólo escuchamos de forma pasiva. 

Aprender un idioma con la música, significa utilizar la información linguística con actividades que nos divierten. La pasión por la música puede ser clave, independientemente del idioma que aprendes. 

Aquí están las fases que proponemos para que el aprendizaje de otro idioma sea una actividad agradable:


1. Elige una canción que te guste. Si te gusta la música, no tendrás dificultad al elegir la canción con la que quieres aprender un idioma y sobre todo, intenta escuchar varias veces la misma canción. Durante el día escuchamos muchas canciones, pero olvidamos repetirlas. Recuerda que la repetición es uno de los factores más importantes en el aprendizaje de un idioma.


2. Busca las letras en internet. Puedes buscar en internet las letras originales de las canciones que quieres aprender. 




3. Escucha la canción y lee la letra. Si utilizas iTunes, instala un programa que lea tu biblioteca de música y guarda automáticamente las letras en un documento MP3. 
Si escuchas tus canciones preferidas y aprendes sus letras, con seguridad descubrirás palabras que no conocías. Concéntrate en las frases que te parecen más interesantes.


4. Escucha de nuevo y atrévete a cantar. Cuando te sientas preparado y conozcas muy bien la letras de las canciones, atrévete a cantar.

Ahora que ya conoces las letras y que logras memorizarlas, puedes escucharlas mientras cantas en cualquier lugar. La repetición es un pilar fundamental de la memorización. 

Uno de los consejos para el aprendizaje es alternar el estudio gramatical (de gran importancia) con métodos prácticos para memorizar el vocabulario aprendido, como ver películas, leer artículos, y como hemos dicho, escuchar música. 


Por otra parte, según un estudio de la Universidad de Illinollis, escuchar música clásica también mejora el aprendizaje del lenguaje. 




17 octubre 2014

Recordamos a Frédéric Chopin





Hoy dedicamos nuestro blog al pianista y compositor polaco Frédéric Chopin, que fallecía tal día como hoy en 1849.


Nacido el 1 de marzo de 1810, se inició en el estudio del piano a los 4 años y a los 8 ya dio un concierto privado en Varsovia. 

Su primer profesor fue Wojciech Zywny, al que siguió Jozef Elsner, director de la Escuela de Música de Varsovia. 

En el año 1829 ofreció sus primeros conciertos en Viena. A partir de 1831 vivió en París, donde trabajó como profesor, pianista y compositor. Allí conoció a algunos de los mejores compositores de su tiempo, como Berlioz, Rossini y Bellini


Su música se caracteriza por las dulces y originales melodías, las refinadas armonías, los ritmos delicados y la belleza poética, siendo casi todas composiciones para piano. 

Influyó notablemente sobre otros compositores, como Franz Liszt y Claude Debussy. Sus obras publicadas incluyen 55 mazurcas, 27 estudios, 24 preludios, 19 nocturnos, 13 polonesas y 3 sonatas para piano. 


En 1837 inició una relación sentimental con la escritora francesa George Sand. En 1838 cayó enfermó de tuberculosis, trasladándose Mallorca. Allí, Sand lo atendió en su enfermedad hasta que las continuas disputas entre los dos condujeron a su ruptura el año 1847. A partir de entonces su actividad concertística se limitó a algunos recitales en Francia, Escocia y Gran Bretaña. 


Disfrutemos de la música de Chopin…







15 octubre 2014

Entrevistamos al director de orquesta Ramón Tebar




Hoy tenemos el honor de entrevistar en nuestro blog a Ramón Tebar, Director Principal de la Ópera de Florida, Director Musical y Artístico de la Palm Beach Symphony, Director Musical del Festival de Música de Santo Domingo y Director Artístico de la Ópera de Naples, EEUU.



El Regalo Musical ¿Cómo se inició en el mundo de la música? 

Ramón Tebar De dos formas, tocando el piano de oído y el laúd, bandurria y guitarra en la Sociedad Musical de mi barrio. El piano de oído fue lo primero que empecé a tocar, los otros instrumentos porque, para no hacerlo muy largo, mi padre salvó la vida a un vecino nuestro llevándolo al hospital después de un ataque al corazón. Nuestro vecino era luthier, y como agradecimiento nos regaló un laúd, una bandurria y una guitarra. Empecé con el laúd, pero mis brazos no llegaban a todas las notas del mástil, seguí con la guitarra y aun no me llegaban los brazos, así es que terminé con la bandurria. De todas formas, lo que me magnetizo fue el piano, y el día que mis padres quisieron comprarme un nuevo instrumento, le aconsejaron que me llevaran a clases de música. Ahí empezó todo.



E.R.M. Usted fue Director Asistente de la JONDE, ¿cómo es trabajar con jóvenes músicos? 

R.T. Muy gratificante. Cuando fui asistente de la JONDE yo era de la misma edad de todos, pues hay un limite de edad, así es que siempre me consideré uno más. Ahora mismo, sigo considerándome un joven músico, tengo 35 años, y creo que como director, uno sigue siendo joven al menos hasta los 60 años, entonces llega la verdadera madurez, mientras tanto, me gusta pensar que uno está aún haciendo escuela. 

Pero eso sí, hay una diferencia principal que siempre me ha llamado la atención al trabajar con músicos jóvenes y generalmente en un ambiente "no profesional", y es el entusiasmo, la alegría, la voluntad, el disfrute por hacer música, etc… creo que todos nos deberíamos quedar en esa fase por el resto de nuestro camino como músicos.

Desgraciadamente, muchas veces, cuando muchos de estos jóvenes entran en el mundo "profesional" (teérmino que odio en el contexto artístico-musical), esta profesionalidad muchas veces absorbe tanta energía que se pierde la frescura y muchos olvidan el por qué nos dedicamos a este mundo, y añadiría, en mi humilde opinión personal, no debería ser el dinero o cómo sustentarse.



E.R.M. ¿Qué destacaría de su mentor Phillipe Entremont? 

R.T. Lo conocí en 2007 y fue muy generoso conmigo la primera vez que me vio dirigir en EEU. No tardó en invitarme a dirigir la orquesta en su programa de jóvenes pianistas, y mas tarde me invito como asistente del Festival de Santo Domingo (del que fue miembro fundador y Director titular hasta 2011, y del que le he sucedido en el cargo). Un pianista excepcional, músico consumado, y director de orquesta. Conmigo compartió tanta sabiduría musical, experiencias de su pasado, valiosísimos consejos. Hemos mantenido muchísimas y larguísimas conversaciones por años. Es un músico que trabajó con todos los grandes directores del pasado (como Ormandy, Bernstein,…) y todas las mejores orquestas del mundo. Él siempre hablaba como solista y como director, es decir, como un músico completo, pues ha estado arriba y abajo del podio al más grande nivel.





E.R.M. ¿Cómo fue su “salto” a Estados Unidos? 

R.T. Bruno Aprea, catedrático de dirección de orquesta la Accademia Santa Cecilia de Roma y que había conocido en unos cursos de dirección en León, me invitó a estudiar con él en Roma. No habían pasado más que unos meses cuando lo nombraron Director Artistic de Palm Beach Opera y me ofreció un contrato para ir como Director Asistente. No me lo pensé dos veces. Sin duda, la invitación de Aprea fue el primer "salto" a EEUU.



E.R.M. Usted es el primer director español en ser Titular de una gran compañía de ópera americana, ¿qué supuso para usted? 

R.T. Es mucho orgullo para mi, pero no deja de ser anecdótico. Directores españoles han tenido siempre presencia en EEUU. Jordá en San Francisco Symphony, Theo Alcantara como Director principal invitado de Cincinnati Opera, otros habituales como Frubeck de Burgos, López Cobos en Cincinnati Symphony o Plácido Domingo, que empezó su vertiente como gerente de teatros como Director Artistico de Washington y Los Ángeles. Así es que cuando me dijeron que nunca un español había sido Director Musical de un teatro de ópera, y menos aún de las consideradas de nivel 1 en EEUU como lo es Florida Grand Opera en Miami, me dió mucha alegría la anécdota. ¿Qué podría haber hecho en contra, verdad? jajaja…A lo anecdótico se junta que ahora soy Director titular y artístico de otro teatro en EEUU, en la ciudad de Naples. 



E.R.M. Recientemente ha sido nombrado Director Artístico de la Ópera de Naples, EEUU. ¿Cómo afronta este nuevo trabajo? 

R.T. Con muchas ganas e ilusión. Naples no es una ciudad tan grande como Miami, pero sin embargo en estos últimos años están invirtiendo mucho en las artes. Han construido una sala nueva en el marco de un complejo que es teatro-auditorio-museo. Es muy interesante lo que esta pasando allí. Cuando me ofrecieron formar parte de este proyecto a partir de este año, que es el 10 aniversario de la fundación, me entusiasmó la idea de crear algo, y de hacer de lo que en principio empezó como un proyecto regional a algo más internacional. Ya solo esta primera temporada hacemos 5 producciones y 2 series de masterclasses y recitales. Más que nunca antes, y traemos a cantantes internacionales de la talla de Maria Guleghina, Gregory Kunde, Lana Kos, Isabel Rey, Eglise Gutierrez, etc..esta primera temporada hay ya no solo un salto cuantitavo sino cualitativo. 



E.R.M. Dirige a las más prestigiosas orquestas de todo el mundo, ¿cómo se organiza ante tanta actividad? 

R.T. Es una cuestión de organizar bien los calendarios, y tengo a mi esposa y mis managers que me ayudan. Yo solo no podría. 





E.R.M. ¿Qué consejos daría a los jóvenes que se inician en la dirección de orquesta? 

R.T. Que sigan sus instintos. Conozco a colegas, amigos, músicos, estudiantes que preguntan qué hay que hacer para ser director. No lo sé, sinceramente creo que no hay un método. Para empezar, creo firmemente que se nace director, y en el fondo, creo que un director lo sabe, lo siente, lo intuye. Estudio, dedicación, fuerza de voluntad, amor y pasión por la música son imprescindibles, todo esto es importantísimo. 

Siempre digo que no se puede seguir un método, aunque si creo que hay ciertas cosas que pueden facilitar el camino. De una cosa si que estoy rotundamente convencido, y es de que la mejor escuela para un director es el teatro. Mi instrumento, el piano, me ayudó muchísimo. Empecé en el teatro como repertorista desde muy jovencito, apenas 15 años, acompañando de vez en cuando ópera y oratorio para el Coro de Valencia, haciendo mucha música de cámara y también con cantantes, tocaba para todas las audiciones que se necesitaba un pianista que acompañara. Tenia la fortuna de leer muy bien a primera vista, lo que me facilitaba también las cosas, pero aun así, siempre estaba dispuesto para casi todo lo que me llamaban (entre las cosas mas raras que recuerdo es estar tocando recitativos en un Barbero de Sevilla mientras una modelo brasileña hacia un streaptease encima de la banqueta del piano conmigo tocando o grabar una obra de Carles Santos en la que solo conseguimos el efecto deseado cuando rompimos la tapa del piano de cola). 

Estar siempre metido en casi todo lo que pasaba musicalmente en mi ciudad durante mis primeros años de formación me fue casi mas útil que el Conservatorio mismo. Después de todo esto, aun me acuerdo del primer cumplido que me hizo un famoso director. Me llamaron del Palau de la Música de Valencia, un viernes a las ocho de la noche: "Jose Ramon, tienes que estar aquí mañana sábado a las 10 de la mañana para tocar el ensayo musical de Luisa Miller con Lorin Maazel". Ni conocía Luisa Miller, ni tenia tiempo para estudiarla. Yo vivía en un piso en Valencia y a esa hora imposible estudiar. Así es que fui al Palau, cogí la partitura unas horas antes, y me acordaré siempre del "Muy bien" que me dijo en castellano el maestro después del ensayo. Pocos cumplidos suenan tan bien en circunstancias semejantes y viniendo de un director así. Era la primera vez que el maestro Maazel dirigía opera en España. ¿Curioso, eh? jaja…

En definitiva, me fui a EEUU como Director Asistente y coach, y las primeras óperas que dirigí fueron sin ensayo (Madame Butterfly; Italiana in Algeri; La Boheme;…imagínese, Puccini sin ensayar…). Hace unos días me hizo mucha gracia leer la famosa carta de Carlos Kleiber en la que aconseja a un músico que quería ser director, que después de todo esto, "if you don't blow it, you're in" (que traducido al castellano podría ser algo como…"si no la cagas, estas dentro"). 


E.R.M. ¿Próximos proyectos? 

R.T. Conciertos sinfónicos en Perú, debut con la Orquesta Nacional de España, con la JONDE, Orquesta de Bilbao, Oviedo, Holanda, y mi orquesta en Palm Beach. Más ópera en Cincinnati con Trovatore, A Coruña, Viena,… a parte de Butterfly y Cosi fan tutte en Miami, La boheme, Cosi fan tutte y un concierto con Guleghina y Kunde en Naples. Conciertos con Vadim Repin, Javier Perianes, Lawrence Brownlee, Nelson Goerner, Joshua Bell, Leo Nucci, Joseph Calleja…



E.R.M. ¿Qué obra elegiría como regalo musical para nuestros lectores?

R.T. El concierto para violín de Brahms. 







Agradecemos profundamente a Ramón Tebar su tiempo y gentileza para concedernos esta entrevista y a Carolina Escárate, de Conciertos Augusto las facilidades que nos ha dado para poder realizarla.



14 octubre 2014

Recordamos a Leonard Bernstein




Hoy dedicamos nuestro blog al compositor, pianista y director de orquesta Leonard Bernstein, que fallecía tal día como hoy en 1990.



Nacido el 25 de agosto de 1918 en Lawrence, Massachusetts (Estados Unidos), su padre se opuso a su interés por la música. 

Siendo muy joven, escuchó una interpretación de piano y quedó completamente cautivado, por lo que empezó a estudiar el instrumento.


Después de graduarse en la Boston Latin School en 1935 Bernstein acudió a la Universidad Harvard, donde estudió música con Walter Piston. Al acabar sus estudios en Harvard, ingresó en el Curtis Institute de Filadelfia, donde estudió dirección con Fritz Reiner.




A los 27 años fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Nueva York, y titular de la Filarmónica de esta ciudad cuando murió Mitropoulos. Dirigió las principales orquestas del mundo.


Entre sus obras principales están las sinfonías Jeremías, Los Salmos de Chichester, los ballets Capricho libre y Facsímil, la cantata Hanhkwenu, etc. 
Además, destacan West Side Story y Candide.

En 1985 recibió el premio Grammy por su dedicación a la música. 


"La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido" Leonard Bernstein


Disfrutemos con su música...





10 octubre 2014

Tal día como hoy nacía Giuseppe Verdi





Hoy dedicamos nuestro blog al compositor italiano Giuseppe Verdi, que nacía el 10 de octubre de 1813.


Nacido en el seno de una familia muy humilde, tuvo la suerte de contar con la protección de Antonio Barezzi, un comerciante de Busseto aficionado a la música que desde el primer momento creyó en sus dotes. Gracias a su ayuda, el joven pudo desplazarse a Milán con el propósito de estudiar en el Conservatorio, lo que no logró, ya que, sorprendentemente, no superó las pruebas de acceso. 


Tras estudiar con Vincenzo Lavigna, fue nombrado maestro de música de Busseto en 1836, el mismo año en el que se casó con la hija de su protector, Margherita Barezzi. El éxito que en 1839 obtuvo en Milán su primera ópera, Oberto, conte di San Bonifacio, le procuró un contrato con el prestigioso Teatro de la Scala. Sin embargo, el fracaso de su siguiente trabajo, Un giorno di regno, y, sobre todo, la muerte de su esposa y sus dos hijos, lo sumieron en una profunda depresión en la que llegó a plantearse el abandono de la música.


Aparte de su evidente calidad artística, las óperas de Verdi servían para exaltar el carácter nacionalista del pueblo italiano. El Va pensiero, coro de los esclavos de la ópera Nabucco, es uno de los más conocidos de Italia por esta razón.


Verdi compuso óperas tan conocidas como Rigoletto, La Traviata, Aida, Don Carlo, Otello y Falstaff.

En sus últimos años, Verdi trabajó en algunas obras no operísticas. A pesar de no ser particularmente religioso, compuso obras litúrgicas, como la misa de Réquiem y el Te Deum. 

Falleció en Milán, el 27 de enero de 1901.

Dejó su fortuna para el establecimiento de una casa de reposo para músicos jubilados que llevaría su nombre: «Casa Verdi», en Milán, donde está enterrado. 


Como curiosidad, un asteroide descubierto en 1982 lleva el nombre de Verdi en su honor.


Disfrutemos de la maravillosa música de Verdi…






08 octubre 2014

Cómo afecta la música al cerebro infantil





Los niños que crecen escuchando música, cantando canciones, y moviéndose al ritmo de la música gozan de un mejor sistema sensorial, creando más enlaces en las conexiones neuronales del cerebro.


Estos son algunos de los efectos que provoca la música en los niños:

-Estimula la creatividad y la imaginación.

-Mejora la habilidad para la resolución de problemas matemáticos y de razonamiento complejo. 

-Hace que puedan interactuar entre sí. 

-Aumenta la capacidad de memoria, atención y concentración.

-Aumenta la autoestima.

-Al combinarse con el baile, estimula los sentidos, el equilibrio y el desarrollo muscular. 


Como Profesores de Conservatorio y Psicopedagogos, asesoramos a los padres para que sus hij@s, ya desde bebés, escuchen la música más adecuada.







¿En qué aspectos influye la música en los niños?


Emociones. Las emociones y los estados de ánimo están directamente vinculados a la música. Es difícil para nosotros los adultos sentirnos felices durante una canción triste, como sentirnos tristes con una canción alegre. Lo mismo es para los niños. La música suave los ayuda a calmarlos, mientras que la música creativa los ayuda a estimularlos.


Inteligencia. Escuchar música en la infancia contribuye a crear ciertos patrones en el cerebro. Los niños nacen con billones de neuronas en el cerebro. Si estas neuronas no son utilizadas se pierden con el tiempo. Que los niños reciban estimulo a través de la música hace que más neuronas funcionen en el cerebro, y mientras más neuronas se desarrollen, mas fácil se les hará aprender nuevas cosas y desarrollar nuevos talentos. 


Memoria. Los niños pueden recordar música que han escuchado ya desde los tres meses de vida. Además, el escuchar música también ayuda a los niños a acordarse de cómo hacer ciertas cosas, es decir, que si nuestros niños aprenden a realizar cualquier tipo de tarea mientras escuchan música, favorece a que la siguiente vez que vuelvan a oír dicha melodía, recuerden con facilidad la tarea realizada y por tanto les sea más fácil volver a reproducirla.


Salud. La música puede tener un impacto poderoso en la salud. La música ayuda a restaurar las respiraciones, las cuales nos calman físicamente y nos ayuda con la presión arterial y los latidos cardíacos. La música también tiene el efecto de aliviar el dolor y promover la mejora física.


Entendimiento. El entendimiento y el lenguaje son ayudados por la habilidad de procesar información más rápidamente. Aquellos niños que escuchan música de manera regular tienen un mayor CI (Cociente Intelectual). La habilidad de entender y procesar el lenguaje se consigue al entender los varios sonidos que crea el lenguaje hablando. Los niños que suelen estar expuestos a la música se acostumbran a escuchar diferentes sonidos complejos, los cuales les ayudaran a discernir el lenguaje.

Para finalizar, recomendamos el libro Cómo potenciar la inteligencia de los niños con la música, para que desarrollen sus habilidades motrices, lingüísticas y matemáticas.